Le blog de Janmi

Dark Garage: mon top 3

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Fri, 26 Jun 2009 00:21:00 +0000

"Kaotic Madness" de KMA Productions

KMA Productions; 1997

L’extrait de Menace II Society ("a certain group of people that don't like another group of people for whatever reason") qui annonce la pièce est prémonitoire en ce sens où "Kaotic Madness" (titre difficilement plus approprié) précipite l’auditeur dans un turbulent remous gazeux.

Chaque élément semble être stratégiquement en contradiction avec un autre, que ce soit le "Madness!!!" extatique assaillit par une meute de breakbeats insatiables ou les intonations New Jersey garage (Blaze "Lovelee Dae" ou Todd Edward "Saved My Life") camouflées sous un vernis darkside pleinement assumée.

"Music is like energy. It never dies. It just transfers. Just because the spotlight is gone, it don’t mean that we can’t create in the dark" rappelait MC Creed en 2003.

Dark Garage: mon top 3

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Thu, 25 Jun 2009 00:15:00 +0000

"Stone Cold" de Groove Chronicles

Groove Chronicles; 1997

Groove Chronicles est le fruit de la collaboration entre les londoniens Noodles (Steven Jude) et El-B (Lewis Beadle). Projet lancé en 1996, Groove Chronicles est reconnu pour son habilité à métisser le drum n bass, le soul, le jazz et le deep house. Propulsé au sommet des dj charts à l'été 1998, le single "Stone Cold" propose une envolée vers les îles chaudes et humides du UK Garage, sans prévenir qu'un détour par Triangle des Bermudes est au programme.

Les deux premières minutes laissent présager une pièce mélodieuse et sereine, avec des vocals (tirés de "One In A Million" d’Aaliyah) s’entremêlant discrètement au saxophone style future jazz. Puis, vers les 2 minutes 30, les masques tombent et les beats s’estompent pour laisser place au grondement d’une bassline gargantuesque, échantillonnée du "Just Another Chance" de Reese. Aussi intense qu’un douzième round de boxe.

On comprend pourquoi El-B est régulièrement cité comme une influence par les producteurs dubstep. La récente compilation The Roots Of El-B, lancée par l’étiquette Tempa, nous le confirme.

Dark Garage: mon top 3

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Wed, 24 Jun 2009 00:03:00 +0000

C’est en feuilletant les magazines sur mon heure de dîner plus tôt cette semaine que je suis tombé sur l’édition de DJ International du mois de mai. Surprise : la page couverture est consacrée à Caspa, fondateur du renommé label Dub Police et star du dubstep suite au succès obtenu l’automne dernier par son remix de TC, "Where’s My Money ?".

Si des publications à grand tirage comme DJ International capitalisent sur le dubstep, c’est que le courant a été dérobé de sa marginalité. Depuis l’explosion de la mouvance début 2006, la vague dubstep prend de l’ampleur. On pense bien sûr à la participation de Kode9 & The Spaceape, Digital Mystikz et Pressure à la bande sonore de Children of Men en 2007 mais aussi aux soirées thématiques se multipliant de ce bord ci de l’océan (Komodo Dubs à Montréal et Rough n Rugged à Ottawa).

Pourquoi ne pas prendre un peu de recul et examiner quelques enregistrements crépusculaires du dubstep ? À partir de 1997, alors que la plupart des producteurs de UK Garage insistent sur le volet plus soul du genre, une poignée d’entre eux tentent, en périphérie, d’altérer le style en l'orientant vers un versant plus sombre, notamment en insistant sur la lourdeur des basses, pavant ainsi la voie au grime et au dubstep.

En proposant un mélange de House, de vocals R&B, de futurisme style Detroit Techno et, bien sûr, de basses massives, Steve Gurley de Foul Play, Horsepower Productions, Groove Chronicles, KMA, Skycap et Zed Bias, ont forgé la clé de voute du dubstep.

"Cape Fear" de KMA Productions

Urban Beats; 1996

Dès les premières notes, DJ Madness aka KMA Productions annonce ses couleurs: une succession de house vocals et de samplings de la voix de Juliette Lewis tirés du Cape Fear de Scorsese ("mystifying...?") se construit autour de beats disloqués quoique anticipatoires. L’alternance des vocals donne le ton en insufflant un rythme imagé et métaphorique.

Arrive ensuite un matraquage de breaks saccadés plaqués sur une suite de subbass engloutissant graduellement l'auditeur dans un vortex de perplexité. Les extraits de Cape Fear continuent de ponctuer la pièce d’exclamations énigmatiques, générant un climat inquiétant mais néanmoins envoûtant.

La récente réédition sur étiquette Groove Chronicles permettra aux collectionneurs d‘assouvir leur appétit en toute quiétude financière, les rares copies originales se transigeant aux alentours de 250$ sur le marché.

Lester le visionnaire

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Tue, 23 Jun 2009 00:46:00 +0000

"I believe that real rock n roll may be on the way out, just like adolescence as a relatively innocent transitional period is on the way out. What we will have instead is a small island of new free music surrounded by some good re-workings of past idioms and a vast Sargasso Sea of absolute garbage."

- Lester Bangs dans Of Pop and Pies and Fun: A Program for Mass Liberation in the Form of a Stooges Review, or Who’s the Fool ? [Psychotic Reactions and Carburetor Dung]

Tortoise: mon top 5

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Sat, 20 Jun 2009 19:15:00 +0000

Beacons of Ancestorship
Thrill Jockey; 2009

Après cinq années à se ressourcer dans différents projets parallèles (The Sea and Cake, Eleventh Dream Day, Chicago Underground Duo, ...), Tortoise se réunit pour offrir un album aussi brillamment fragmenté que TNT. Petite nuance : le minimalisme apaisant du vibraphone laisse place aux vrombissements des synthétiseurs.

Le titre est approprié: Beacons Of Ancestorship (balises ancestrales ?). John McEntire et ses complices n’ont jamais été du genre à camoufler leurs ascendants musicaux. Ici, le clin d'œil le plus évident est celui fait à Ennio Morricone sur "The Fall of Seven Diamonds Plus One".

En plus de réaffirmer la créativité et la complicité du groupe, cette plus récente parution démontre que la musique à géométrie variable de Tortoise est toujours aussi stylisée, détaillé et minutieuse.

Tortoise: mon top 5

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Sat, 20 Jun 2009 00:57:00 +0000

"Seneca" de l’album Standards
Thrill Jockey; 2001

Alors que TNT représentait un parfait équilibre entre le ravissement sensuel et la quête cérébrale, Tortoise a voulu jouer au vilain canard en décidant d’enquiquiner ses fans. La pièce liminaire "Senaca", référence ironique au philosophe stoïcien Sénèque, perce un nouveau front dans l’univers du groupe en substituant la précieuse harmonie instauré sur l’album précédent par un massif et intimidant mur de distorsion. La barricade sonore érigée par le quintet s’ouvre progressivement vers des terres plus familières, mais les dommages sont faits. Tortoise n’aura jamais sonné de manière aussi abrasive et iconoclaste.

Standards représente l’antithèse de l’album précédent. Alors que TNT a été entièrement enregistré sur un disque dur et monté sur ProTools, donnant ainsi au studio le rôle de principal instrument, Standards est enregistré live on tape, donnant ainsi un élan plus impulsif et viscéral à l’enregistrement.

Tortoise: mon top 5

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Fri, 19 Jun 2009 00:10:00 +0000

TNT
Thrill Jockey, 1998

TNT demeure l’enregistrement le plus accompli du collectif de Chicago. À l’instar des albums précédents, le quintet échafaude ses compositions sur les motifs circulaires et la répétition mais perfuse cette nouvelle session d’hypnose d'un ensorcelant mélange de légèreté et d'intelligence. Un ensemble impersonnel et désintéressé mais néanmoins extraordinairement évocateur.

La finesse et la constance de la production contribuent patiemment à l’édification du lyrisme aérien de TNT. La fluidité mélodique de l’album carbure, ici encore, aux références krautrock, dub et bossa-nova, pour n’en nommer que quelques unes. Un tout abstrait et angulaire, aussi homogène qu’hétéroclite.

Ce qui distingue TNT des autres albums du groupe ? La stupéfiante ingéniosité avec laquelle le quintette de Chicago exploite les possibilités du studio et de la postproduction.

TNT satisfait tous les appétits. Mais, en tant qu’amateur de drum n bass, mon moment fort de l’album est, naturellement, le diptyque "Almost Always Is Nearly Enough / Jetty". J’en frisonne encore.

Tortoise: mon top 5

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Thu, 18 Jun 2009 02:35:00 +0000

"Djed" de l'album Millions Now Living Will Never Die
Thrill Jockey, 1996

Alors que "Gamera" annonce les premiers ronronnements du moteur, "Djed" signale le passage à la cinquième vitesse. Tout y est. "Djed" est la déclaration d’indépendance de la république Tortoise.

C'est dans ce dense marathon de 21 minutes que les influences du quintet s'affirme le plus explicitement: avant-rock allemand des années 70, minimalisme saveur Terry Riley et Steve Reich, sous-culture du tape loop et du synthétiseur analogue, easy listening, musique contemporaine, dub, rock ambiant. Pourquoi nier l’évidence ? "Djed" est un panorama en constant mouvement, propulsé par les notions de fusion et de mutation.

Ne cherchez pas plus loin, "Djed" contient la dose complète de vitamines et minéraux indispensables à l'appréciation de la musique protéiforme de ces porte-étendards du post-rock.

Tortoise: mon top 5

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Wed, 17 Jun 2009 01:52:00 +0000

Mardi prochain, c'est la sortie en magasin du nouvel album de Tortoise, Beacons of Ancestroship.

Je marche sur des œufs, mais si j’avais à désigner le groupe rock le plus innovateur des années 90, ce serait Tortoise. Les albums Millions Now Living (1996) et TNT (1998) sont au post-rock ce que la Tour Eiffel est aux maquettes en cure-dent : d’imprévisibles détails patiemment disséminés à l’intérieur d’une étrange et antinomique sensation de grandeur et de fragilité. Une aguichante fusion jazz-rock aux angles stylisés et aux contours raffinés.

Mon décompte des cinq meilleurs enregistrements du groupe, en cinq parties :

"Gamera" du Gamera EP

Duophonic, 1995

Premier débroussaillage des sentiers touffus et dédaléens de l’expérimentation rock, "Gamera" cristallise le son Tortoise. L’univers référentiel vaste et assumé du quintet de Chicago est constamment mis à contribution au cours des 12 minutes que dure la pièce. Tous les éléments propres à la griffe Tortoise sont mis en place : les premières intonations folks americana se muant graduellement en énergie cinétique, la batterie polyrythmique aux accents krautrock, la répétition des motifs, les enchevêtrements psychédéliques…

Le Gamera EP a été lancé sur l'étiquette de Stereolab, Duophonic, à l’automne 1995. John McEntire, leader et ingénieur en chef de Tortoise, retournera la politesse quelques mois plus tard en jouant un rôle prépondérant dans la réalisation des albums Emperor Tomato Ketchup et Dots And Loops.

Citation du jour

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Sun, 14 Jun 2009 13:06:00 +0000

"Ce qui a été m'importe moins que ce qui est; ce qui est, moins que ce qui peut être et qui sera. Je confonds possible et futur. Je crois que tout le possible s'efforce vers l'être; que tout ce qui peut être sera, si l'homme y aide."

André Gide, Les Nouvelles nourritures

Post-rien

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Wed, 10 Jun 2009 01:41:00 +0000

C'est rare que je porte attention aux titres d’albums (les meilleurs titres sont soit éponymes, Live at xx ou Collected Works) mais celui choisi pour le dernier album des Japandroids est particulièrement bien pensé: "Post-nothing".

Sympathique et malicieux clin d’œil aux exégètes ayant tendance à trop théoriser...

Pourquoi ne pas y avoir pensé avant ?

Berlin et après

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Tue, 09 Jun 2009 02:23:00 +0000

Un dilemme inhérent à la musique électronique est que la musique du futur d'aujourd'hui risque de rapidement tomber en désuétude le lendemain. Papua New Guinea est encore très agréable d’écoute, mais est-ce toujours le "Future Sound of London" ? La roue tourne, les formes se renouvèlent et le futur s’actualise. "Brand New You're Retro" disait l‘autre.

À l’inverse, certaines avant-gardes musicales demeurent insaisissables, plusieurs années après leur parution originale. Faudra-t-il attendre encore quarante ans pour que certains esprits rétrogrades et philistins soient en mesure d’apprécier le radicalisme du rock progressif de Magma ? Au même titre, la novatrice mixtion de house minimal, de techno éthéré et d’ambient dub à émerger du Berlin postcommuniste du début des années 90 constitue encore, quinze ans plus tard, un électron libre. Le nouvel horizon esquissé par les étiquettes Basic Channel et Chain Reaction demeure dans la marge, attendant patiemment d’être de son époque. Dans l’intervalle, une musique aussi fraichement prémonitoire qu’à ses premiers jours continue d’exercer son influence baroque.

Un récent témoignage de l’héritage dub-house de Basic Channel et ses légataires est l’album-compilation Self Assessment. Premier CD du duo Miles Whittaker (aka DJ Miles/MLZ) et Gary Howell, qui se fait connaître depuis quelques années sous l’épithète Pendle Coven, Self Assessment rassemble une série de EP extrait du catalogue de Modern Love. L'étiquette de Manchester nous avait gâtés en 2007 avec la sublime collaboration dub ambient entre Deepchord et Echospace intitulée The Coldest Season.

À l‘instar de leurs patriarches berlinois, les gars de Pendle Coven signent une musique désintéressée et impersonnelle. Le souffle vaporeux et pacifique des synthétiseurs irradie la cadence des basslines. Self Assessment évoque un écosystème de quiétude et d‘assurance.

Quelques secondes des extraits "Uncivil Engineering (Calm Mix)" et "Chord Calculus" suffisent à donner l'impression d'être aux commandes du Faucon Millenium se posant sur la cité des Nuages.

Die Mensch-Maschine

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Mon, 08 Jun 2009 02:38:00 +0000

"The man machine, machine, machine, machine, machine..." scande en boucle une voix vocoderizé, mi-humaine mi-synthétique. Plus l’aphorisme se superpose au rythme automatisé, plus il semble insistant. Une apologie de l’obsolescence du corps traditionnel. "The man machine", une allusion directe à la corrélation musique / machine.

C'est que j’écoute en ce moment The Man-Machine (Die Mensch-Maschine) de Kraftwerk. L’enregistrement de 1978 annonce joyeusement l’ère du Robot sapiens. Sur la pièce liminaire The Robots, Ralf Hütter et ses complices incarnent d’enthousiastes cyborgs :

We're charging our battery
And now we're full of energy

We are the robots

Sur son site web, le futurologue américain Ray Kurzweil affirme qu'en 2099, il n'y aura plus de distinction claire entre les humains et les ordinateurs. De quoi conforter l'imaginaire cyberprométhéen (clin d'oeil à Hervé Fischer) naïf mais néanmoins prémonitoire de Kraftwerk.

"Do not allow yourself to be programmed" instruisaient Underground Resistance sur Electronic Warfare.

Is It Man Or Machine ?

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Thu, 04 Jun 2009 02:01:00 +0000

C'est une scène classique du Tambour de Schlöndorff : le petit Oskar, affolé, frappant énergiquement sur son tambour avant de lancer un terrible cri strident dont l'aigu fait exploser le verre... C'est le rythme de ce tambour qui battra, au long du film, la mesure d'une histoire qui progresse inexorablement vers le délire nazi.

Le rythme métronomique du tambour comme allégorie absolue de la machine guerrière. C’est ce qui m’est venu à l’esprit en consultant L'Art du bruit (1913), document crucial et précurseur de la musique électronique et la musique concrète. Dans un passage particulièrement illuminant, le futuriste Luigi Russolo imagine une "évolution de la musique parallèle à la multiplication grandissante des machines". Prônant un culte du dynamisme et de la vélocité, de l'homme nouveau et de la ville, de la technique et de la violence (ce qui a valu au mouvement futuriste d’être désagréablement étiqueté protofasciste), Russolo affirme essentiellement que le monde industrialisé a profondément altéré le paysage sonore et que la musique se doit donc de refléter cette nouvelle réalité.

La guerre étant un des principaux moteurs du progrès technologique, les innovations en matière d’armement devinrent une source d’inspiration pour Russolo. Dans le cadre de ses performances musicales, le musicien futuriste décrivait avec enthousiasme les bruits des combats afin de recréer les sonorités ambiantes de l’ère industrielle.

S'il était né 100 ans plus tard, le milieu naturel de Russolo aurait été une soirée gabber ou une performance noise (idéalement Metal Machine Music de Lou Reed ou Machine Gun de Peter Brötzmann). Le techno et ses multiples déclinaisons symbolisent l’aboutissement de la fusion musique / machine souhaitée par Russolo. En plus d’être entièrement générée par des machines, le techno et sa structure répétitive évoque la ligne de montage. Pas étonnant qu'il provienne de Detroit, la ville de l’automobile. Aux 88, groupe phare du Detroit Techno, n’a-t-il pas intitulé son album de 1996 Is It Man Or Machine ?

Mais malgré les explications offertes par le techno aux interrogations de Russolo, une question sous-tendant L'Art du bruit demeure pertinente en 2009: est-ce que mettre la machine au service de la musique signifie magnifier ses fonctions ?

Fabric frappe fort avec Omar S.

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Mon, 01 Jun 2009 01:39:00 +0000

Fidèle à la tradition de la maison, la série Fabric nous offre un nouveau et hypnotisant mix-odyssée. Le numéro 45 consiste en un invitant voyage sonore à travers l’univers sonore d’Alex Smith aka Omar S. Ce dernier assume pleinement l’héritage musical local en proposant du Detroit Techno tel qu‘on l’aime: minimal, dépouillé, texturé. Construit uniquement à partir de pièces produites par le DJ, le mix atteint son paroxysme avec le hit "Psychotic Photosynthesis", lancé il y a quelques mois sur l'étiquette de Theo Parrish, Sound Signature.

Omar fait plaisir aux puristes en annonçant ses couleurs avec assurance: "The music on this CD is fully 100% Analog - No computer bullshit programs." peut-on lire dans la pochette.

Une entrevue est disponible sur le site d’XLR8R.

Simulacres, impostures et supercheries

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Fri, 29 May 2009 02:01:00 +0000

À la Maison de la culture Frontenac se tient, jusqu'au 6 juin, l'exposition "Le cabanisme: perspective sur un mouvement méconnu". Une vingtaine d'œuvres documente l’évolution d'un regroupement artistique lancé à la fin des années 60 par Yvon Chassé. Inspiré par l'expression "ma cabane au Canada", les cabanistes s'intéressaient, au plus fort du mouvement, à l’émancipation de la culture populaire québécoise en la recontextualisant dans le prisme de l'art moderne. Les curieux voudront connaître la place occupée par le cabanisme dans l'histoire de l'art québécois. La réponse : aucune. L'exposition s'avère être une duperie avouée menant à une réflexion autodérisoire sur les conventions régissant la relation artiste / spectateur (ou regardeur, selon la préférence).

Le concept fait penser au film Rechercher Victor Pellerin de Sophie Deraspe. Une ancienne coqueluche du milieu artistique montréalais disparait délibérément du paysage au début des années 90. Quinze ans plus tard, une documentariste dresse un portrait du peintre en interrogeant différents proches ayant partagé le parcours dudit Pellerin. Un complexe travail de recherche sur un artiste qui n'a, finalement, jamais existé. Le leurre mis en place par la cinéaste pose alors la question de la relation entre le créateur et ses commentateurs.

Ces récentes manifestations du semblant et de la tromperie témoignent de l'intérêt grandissant pour la supercherie. Les amateurs d'italo-disco se souviendront du single Disco Club signé Black Devil, lancé en grandes pompes il y a cinq ou six ans par l'étiquette Rephlex. La réédition de ce "classique" du genre, supposément introuvable depuis la fin des années 70, fait encore sourciller. Selon la rumeur, le label aurait orchestré la duperie en produisant lui-même le trésor oublié et en l'annexant d'une genèse difficilement vérifiable.

L'empreinte de l'imposture et de la supercherie se vérifie aussi dans les docufictions, de plus en plus présents sur les écrans. Du C'est arrivé près de chez vous de Rémy Belvaux (1992) au récent Je veux voir de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige (2008) en passant par La Moitié gauche du frigo de Philippe Falardeau (2000), le simulacre acquiert progressivement ses lettres de noblesse. Les concepteurs de la série télé Les Invincibles joue sur le même registre en intégrant de fausses entrevues entre le réalisateur et les personnages, ajoutant ainsi une valeur documentaire au récit. L'exemple le plus tapageur des dernières années est bien entendu le Death of a President de Gabriel Range (2006), qui entremêlait images d'archives et scènes fictives afin de documenter un faux événement. De manière plus subtile, les frères Dardenne (Rosetta, Le fils, L'enfant) contaminent l'espace fictionnel de leurs films d’une facture propre au cinéma documentaire (caméra à l’épaule, éclairages et sonorités ambiantes, …).

Comment germe l’idée d'inventer une histoire et une géographie dans le but de créer une réalité parallèle ? Est-ce une volonté de réévaluer le réel en le réinventant ?

Dans Simulacres et simulation, Jean Baudrillard propose une piste de réflexion en notant qu'"il n'est plus possible de partir du réel et de fabriquer de l'irréel, de l'imaginaire à partir des données du réel. Le processus sera plutôt inverse : ce sera de mettre en place des situations décentrées, des modèles de simulation et de s'ingénier à leur donner les couleurs du réel, du banal, du vécu, de réinventer le réel comme fiction, précisément parce qu'il a disparu de notre vie". Radical, Baudrillard en vient à affirmer que "le réel n'existe plus" suite à la "liquidation de tous les référentiels".

Ce rapport équivoque au réel pave la voie à la notion d'hyperréalité, qui suppose que la multitude d'images meublant le monde contemporain crée une réalité qui dépasse sa propre essence. L'image devient plus réelle que le réel et provoque l’émergence de l'hyperréalité. La reproduction et le spectacle prennent la place de l'expérience. Cette illusion de la réalité objective atteint un stade d'hyperréalité totale, où la réalité subjective devient la simulation de quelque chose qui n'a jamais réellement existé. En commentant sa théorie, Baudrillard a causé la controverse en citant l'exemple des images de 9/11, dont la diffusion répétée des images faisait en sorte que les événements relevaient du “spectacle", révélant notre incapacité à le relier au monde réel. Un autre exemple probant est celui de la "culture de la peur" alimentée par les médias de masse (menaces de pandémies, bogue de l'an 2000, accommodements raisonnables...). Un phénomène entretenu par la dramatisation et la répétition d'images qui nourrissent l'angoisse et l'inquiétude de la population. Or, cette supposée menace du monde extérieur est facilement contredite par les statistiques.

Billet d’humeur

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Sat, 23 May 2009 00:20:00 +0000

Il y a quelques années, je suis tombé, un dimanche après-midi, sur un vieil épisode de Star Trek, la série télé. Des membres de l’équipage de l’USS Enterprise se retrouvaient, suite à une erreur dans les calculs de téléportation, sur une microplanète lointaine où s’affrontaient des dinosaures et des hommes préhistoriques. Les acolytes, forcément déstabilisés par le gouffre temporel séparant leur monde futuriste du décor inapprivoisé dans lequel ils se retrouvaient, devaient trouver le moyen de s’extirper d’un monde où la technologie s'avérait inopérante.

J'ai une impression similaire quand je vais à Québec. La capitale semble être à l’image de cette planète anachronique et périmée dépeinte dans l’épisode de Star Trek. Comme si la ville se situait dans un timewarp décalé par rapport au reste du monde. Québec fait penser à une île isolée où les repères temporels se dissolvent. La simultanéité y est particulièrement défaillante lorsqu’il est question de la scène musicale.

Est-ce qu’il y a un autre endroit, à part Québec, où Def Leppard et Supertramp peuvent encore espérer remplir les gradins ? Le plus gros évènement musical de Québec des derniers mois ? Nostalgie 80, spectacle décadent présenté en avril dernier dans un Colisée assiégé par une horde d’hurluberlus arborant ostentatoirement couleurs fluo, épaulettes, toupets crêpés et cheveux gaufrés. Encore plus consternant, les 11 000 spectateurs ont déboursé en moyenne 70$ pour voir défiler d’insignifiantes vedettes déchues des années 80.

Pour certains, la musique des années 80 désigne les innovations techniques de Grandmaster Flash, le néo-psychédélisme de Phuture et le post-punk de Talking Heads et Sonic Youth. Pour d’autres, c’est Samantha Fox et Bon Jovi. Déplorable.

Les gens de la capitale sont encore exaltée d’avoir eu la visite de Paul McCartney en guise d’apothéose du 400e. Peu importe le statut légendaire de la méga-vedette, il s’agit d’un anglophone venu de la métropole chanter Band on the Run et ses autres succès des années 60 et 70 devant une foule censée célébrer l’héritage français de sa ville. Comparativement, la ville de Mannheim, en Allemagne, soulignait, en 2007, son 400e en commanditant une œuvre de Carsten Nicolai (alva noto) et Ryuichi Sakamoto, que l’étiquette Raster-Noton vient de rentre disponible sous le titre Utp_. Nicolai et Sakamoto n’engrangent probablement pas d’aussi importantes "retombées économiques" que Sir Paul, mais la résonnance artistique de leur œuvre me semble nettement plus actuelle.

"Solar Bridge" d'Emeralds

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Thu, 22 Jan 2009 21:29:00 +0000

Rolande, la secrétaire du bureau, prend sa retraite début février et personne au club social n’arrive à s’entendre sur le cadeau qui sera offert lors du 5 à 7 de jeudi prochain au Vieux Duluth ? Pourquoi ne pas y aller avec une valeur sûre : le CD Solar Bridge, premier album du trio power drone Emeralds. Un excellent disque que madame saura apprécier lors de ses longues heures de jardinage.

Magnétique et expansive, la musique du groupe d’Emeralds donne, à première vue, l’impression d’avoir été conçue par les physiciens du Grand collisionneur d'hadrons, ce tunnel de 27 km recréant les conditions d'énergie des premières secondes suivant le Big bang. Détrompez-vous, elle a plutôt été produite dans un sous-sol de la banlieue de Cleveland, Ohio par trois canailles qui étaient encore aux couches lorsque les principales références qu’ils citent en entrevue enregistraient leur cinquième, sixième ou septième disque.

On parle ici du kosmische, ce sous-genre planant du Krautrock développé en Allemagne dans les années 70 avec Tangerine Dream, Harmonia, Klaus Schulze et Popol Vuh. Les esprits aiguisés reconnaitront également l’influence de Coil.

Basée sur des synthétiseurs, une guitare et des textures dynamiques, la musique d’Emeralds évoque le vide sidéral. Un être tourmenté pourrait penser qu’un trou noir habite sa chaîne stéréo, que de la matière sombre se déploie progressivement, prête à phagocyter son salon. Tant qu’à patauger dans le lexique astral, soulignons la résonance cosmique de Magic et The Quaking Mess, les deux excellentes improvisations psychédéliques constituant l’album.

Solar Bridge est le premier album “officiel” du groupe, malgré la trentaine de cassettes et de CD-R lancés depuis 2006 sur les labels American Tapes, Chondritic Sound, Gods Of Tundra, Wagon et Gneiss Things. Solar Bridge est une gracieuseté de l’étiquette Hanson, label dirigé par Aaron Dilloway, anciennement du mythique groupe noise Wolf Eyes.

À mettre à son agenda : le deuxième CD d’Emeralds, What Happened ? (cette fois sur étiquette No Fun Productions), sera en magasin la semaine prochaine, mercredi le 28.

"Convivial" de Luomo

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Wed, 14 Jan 2009 02:57:00 +0000

« House. What is House ? » demandait LFO au début de Frequencies (1991).

Une question vaste et complexe menant à une variété d’interprétations. Certains affirmeront que le house est du disco génétiquement modifié par les drum machines. D’autres insisteront sur l’importance des vocals, sur l’infusion de saveurs soul ou sur la prédominance de la bass. Pour ma part, par paresse et par respect pour les institutions, je préfère attendre que l'Académie française se soit penché sur la question. D'autres, plus résolus, vont de l'avant en soumettant leur propre définition, leur vision singulière et personnelle du house. C’est le cas de Sasu Ripatti.

Sasu Ripatti est un musicien finlandais dont le génie se décuple en trois personnalités: Vladislav Delay (ambient dub), Uusitalo (tech-house) et Luomo (house). Qualitativement, aucune entité n'en supplante une autre, mais l'alias Luomo demeure le plus connu. Vocalcity, lancé en 2000 sur l'étiquette allemande Force Tracks, est toujours considéré comme un des meilleurs album house du début des années 2000, avec Bodily Functions d’Herbert. Il faut dire que Ripatti bénéficiait alors d’un solide capital de sympathie suite aux élogieuses critiques engendrées par les singles Huone et Ranta lancés sur la mythique étiquette berlinoise Chain Reaction.

Neuf ans après sa sortie, Vocalcity étonne toujours par son audace formelle, ses élégants contours oniriques et surtout son caractère innovateur: Luomo y glorifie les lieux communs du house tout en les déconstruisant.

Novembre 2008 : Ripatti récidive avec un cinquième album signé Luomo. Convivial, lancé sur le label indépendant de Ripatti, Huume Recordings, met en scène les éléments qui ont fait le succès de Vocalcity : textures analogues et vaporeuses, espaces sonores altérable, constructions lentes et imprévisibles. Des fresques labyrinthes ponctuées de cadences instables, de structures friables et ondoyantes, de microcosmes prismatiques et fugaces. Pourquoi changer une formule gagnante ?

Convivial s’apprécie comme un film de Tarkovski, soit par la désappropriation de la mémoire et du temps. Un pied dans le matériel et l’autre dans l’éther.

Comme sur Vocalcity, les vocal guests jouent un rôle crucial. Cassy Britton, Sascha Ring et l’incontournable Robert Owens juxtaposent leurs voix aux synthés chatoyants de Luomo. Bémol : l’éreintante et excessivement démonstrative prestation de Johanna Iivanainen sur Nothing Goes Away.

Convivial constitue une autre incarnation de la vision unique et stylisée du house de Sasu Ripatti. Une importante contribution repoussant un peu plus les frontières d’un genre aussi marginal que le house.

Citation du jour

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Mon, 12 Jan 2009 21:09:00 +0000

"It is the rationalizing and ordering imposed by technology that makes us forget that machines have their origins in the irrational."

- Georges Canguilhem, Machine and Organism

"Quaristice" d'Autechre

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Fri, 09 Jan 2009 21:15:00 +0000

Flashback été 1998: après un éprouvant périple dans la jungle du free jazz, j’ai atteint mon point de saturation. J’ai besoin de respirer un nouvel air, de découvrir une autre forme de musique. J’entends parler, à gauche et à droite, du IDM, l'Intelligent Dance Music, sous-genre de la musique électronique inauguré en 1992 par l'étiquette Warp et la compilation Artificial Intelligence.

Cherchant à en savoir plus, je me renseigne auprès de Christian (sans qui, encore aujourd’hui, la musique électronique ne saurait être appréciée avec autant de plaisir), fin spécialiste de la musique électronique et animateur d’I.N.V.D., une émission qui suit celle que je consacre au jazz d’avant-garde, le dimanche soir sur les ondes de la radio de l’Université Laval.

- C’est quoi les meilleurs albums d’Intelligent techno ? Qu’est-ce que tu me suggères ?

- Le must du genre, LE groupe phare du mouvement, c’est indéniablement Autechre. Essaye leur dernier EP, Envane.

Je me rends chez mon disquaire, achète le EP recommandé et, une fois chez moi, dépose le vinyle sur mon tourne-disque. La première écoute me laisse hésitant, incrédule: absence de linéarité, contours chaotiques, rythmes syncopés, synthés dissonants et mélodies tronquées. Un peu comme le free jazz, la musique d’Autechre agit comme un détergeant pour les oreilles, sauf qu’ici, le résultat est froid et distant. De plus, Envane entre en contradiction avec mon embryonnaire connaissance de la musique électronique, qui est alors superficiellement définie par l'acid house, le drum & bass et l’illbient, mouvement new-yorkais éphémère davantage redevable au hip-hop qu’à l’électronique émanant d’Europe.

Néanmoins intrigué par la signature novatrice et inédite du duo de Manchester, j’emprunte à la station de radio une copie du plus récent album du groupe. C'est 32 secondes après le début de LP5 que mon incursion dans l’univers d’Autechre se transforme en immersion totale et complète. Complexe et instinctive, la musique des deux pionniers de l’IDM devient rapidement mon principal référent en musique électronique pour les deux-trois années suivantes. En fait jusqu’à la parution de Confield en 2001.

Peut-être parce que j’avais migré vers d’autres styles ou simplement parce que Confield et EP7 n’ont pas répondu à mes attentes, j’ai arrêté de suivre le groupe au début des années 2000. Depuis, même après avoir écouté des extraits des derniers albums, je n’ai jamais eu l’envie ferme et résolu de retourner voir du côté d’Autechre. Jusqu’à la semaine dernière.

En syntonisant la radio, vendredi soir dernier, je tombe sur Plyphon, un extrait de Quaristice, le neuvième album du groupe, lancé sur Warp Records en mars 2008. Un brutal et frénétique mitraillage de beats angulaires progressant aléatoirement dans l’instabilité et la confusion. Du bon Autechre, rappelant celui de 1998.

Le lendemain, l’album joue en boucle dans mon Ipod.

Quelques impressions : malgré un vernis à l’apparence froid et cérébral (ç’est Autechre, quand même), Quaristice est une mosaïque de textures erratiques et imprévisibles, d’esquisses momentanées et immersives. Fait à noter : la durée des pièces oscille entre trois et quatre minutes, ce qui est inusité quand on sait que les pièces d’Ae dépassaient, antérieurement, les six-sept minutes.

La gamme d’émotions que suscite l’album mène à une fusion totale de l’auditeur avec l’énergie cinétique du groupe. La bibliothèque de sons générée par le duo, expansive et illimitée, agit comme prémisse à un logos régenté par un chaos ergonomique.

Encore plus, ce qui rend l’album particulièrement intéressant pour les fans du Autechre des années 90 comme moi, c’est qu’alors que Confield, Draft 7.30 et Untitled semblaient scrupuleusement construits, analysés et digérés, Quaristice est davantage motivé par la spontanéité et une démarche délibérément live, à l’instar de Tri Repetea et Chiastic Slide. Le hasard joue à nouveau son rôle d’arbitre.

La musique d’Autechre, en constante mutation, se détournent des genres et de la nomenclature restrictive. La symbiose entre Sean Booth et Rob Brown demeure aussi forte. Quinze ans après la parution de leur premier album, Quaristice réaffirme la pertinence du duo et démontre que l’insaisissabilité n’est pas un synonyme de précarité mais d’innovation.

Millénium

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Fri, 02 Jan 2009 02:37:00 +0000

J’ai tourné, il y a quelques minutes, les dernières pages du troisième tome de la trilogie Millenium de l’auteur suédois Stieg Larsson. Je projetais lire la série pendant la période des Fêtes car les critiques louangeuses et la frénésie des amateurs de polar m’avaient fait pressentir une œuvre ambitieuse et épique.

Millenium, la mythique série policière tirée à huit millions d'exemplaires. Un succès tel que la ville de Stockholm a inauguré un circuit touristique inspiré du roman. Malgré le tapage médiatique et le halo de mystère auréolant la parution des romans, est-ce que, 2000 pages plus tard, ça en valait la peine ?

Non. Millénium est un leurre.

Premier constat : Stieg Larsson met en scène des personnages unidimensionnels et prévisibles. Le manque de substance s’incarne particulièrement dans le personnage du journaliste Blomkvist, principale figure du premier tome, Les hommes qui n'aimaient pas les femmes. Vertueux, rassurant et déterminé, l’infaillible Blomkvist n’offre aucune surprise. Il résout naturellement les intrigues et déjoue les méchants de manière systématique, rendant ses apparitions lassantes et convenues.

Un bon auteur de polar fait en sorte que ses personnages ne sont pas des héros mais des individus qui subissent et réagissent aux évènements. Pour être captivant, un personnage de polar ne doit pas être l’instigateur de l'aventure mais doit plutôt se retrouver involontairement confronté aux événements.

Le seul personnage présentant quelques teintes de gris est Lisbeth Salander, qui est au cœur du deuxième volume, La fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette. Hacker violente et asociale, elle possède néanmoins un code moral strict et un inaltérable sens de l’intégrité. Salander constitue le seul point d'intérêt de la série.

Deuxième point : le récit emprunte des détours laborieux et outrageusement inutiles. Les séquences transitoires sont interminables et plusieurs détails s’avèrent anodins et impertinents. Le meilleur exemple se trouve dans le troisième tome, La reine dans le palais des courants d'air, alors que la fidèle allié de Blomkvist, Berger, fait l’objet d’obscures menaces. L’intrigue s’étale sur une centaine de pages. Or, le coupable est un personnage nowhere et inconnu du lecteur qui disparait aussitôt que l’intrigue est résolue. Perte de temps.

Troisièmement, la lecture des tomes 2 et 3 mènent à questionner l’utilité du premier volume. Le premier tome sert surtout à mettre la table et dresser les contours des personnages, mais les suites de l’intrigue sont presque complètement évacuées dans les deux tomes suivants. Les principaux traits des personnages et des lieux auraient facilement pu être condensés en introduction du deuxième tome.

Maiden voyage

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Sat, 18 Oct 2008 08:13:00 +0000

J’ai récemment profité de l’acquisition d’un nouvel Ipod pour "rafraîchir" ma collection de fichiers numériques et renouveler ma sélection musicale.

J’utilise principalement mon lecteur MP3 en vélo ou en courant. Il me faut donc quelque chose d’analeptique et d’entraînant. Pas de Bob Marley, ni de Sun Ra ou de Robert Wyatt, plus approprié au home listening.

Quelques-uns de mes mix préférés : Creamfields 2005 de Ferry Corsten, Jungle Drum & Bass Anthems, 45:33 de LCD Soundsystem (pas vraiment un mix, mais bon…)

J’ai également transféré sur mon lecteur le Fabric 25 de High Contrast. Vitaminé, fluide, énergétique, idéal pour soutenir l’effort et maintenir la pression. Avant de stocker l’album sur mon lecteur, je suis allé vérifier la discographie du DJ de Cardiff.

Le dernier album d’High Contrast, Tough Guys Don't Dance, est disponible depuis octobre 2007. Le premier extrait, If We Ever, est une superbe pièce retro jungle enregistré avec Diane Charlemagne.

J’ai également trouvé, en fouillant sur Soulseek [mots-clés "High Contrast" & "Essential Mix 2007"], une prestation offerte sur les ondes de BBC en 2007. De la dynamite : 120 minutes de pur liquid funk, brillamment mixé par le virtuose du genre. La star d’Hospital Record ouvre les hostilités avec un sublime remix du hit Talk de Coldplay. Ma garantie: les frissons vont vous parcourer l’échine dès les premiers breaks. L’as-DJ multiplie les build-up astucieux et les enchaînements soignés. À la vingt-cinquième minute, la dextérité et le génie du maestro ne font plus de doutes, alors que les premières notes de Forever And A Day se font entendre.

Pour ceux qui, comme moi, pensent qu’High Contrast est un dieu, allez immédiatement télécharger cet incroyable mix et classez le dans la section "incontournables".

Tarkovski, un cinéma "intellectuel" ?

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Thu, 16 Oct 2008 02:58:00 +0000

Un dimanche du mois de mai, en début de soirée. Le téléphone sonne. Jean-Philippe, un ami, m’appelle pour me signaler que le Canadian Film Institute projette Le Sacrifice, dernier film réalisé par Tarkovski avant son décès en 1986, ce soir, à Bibliothèque et Archives Canada. Je conviens avec J-P de le rejoindre devant la Bibliothèque dans une demi-heure.

J’embarque dans l’auto, me ramasse un café en chemin et arrive à la Bibliothèque à l’heure prévue.

On entre dans la salle de projection quelques minutes avant le début du film. Une douzaine de personnes sont dispersés dans les sièges. On choisit une place dans la sixième ou septième rangée et discute en attendant le début du film.

Un jeune couple (c’est ce qu’on présume) entre dans la salle. Le type arbore un t-shirt Osheaga. Ils s’assoient derrière nous, juste assez près pour que leur conversation nous soit audible.

- T’en a déjà vu, des films de Tarkovski ? demande le type.

- Non, répond innocemment la fille.

- Tu vas voir c’est bon. C’est du cinéma intellectuel.

Je manque m’étouffer avec mon café. J-P me demande si je suis correct, sourire en coin. Je réprime difficilement un fou rire, qui laisse place à l’envie de me retourner et signaler l’ineptie de la remarque à son auteur. Pas le temps, les lumières se tamisent et le film débute.

Depuis, l’anecdote m’est revenue à l’esprit. Je me suis longtemps demandé comment pouvait être associé la notion d’intellectualisme au cinéma de Tarkovski. Qu’est-ce que c’est, au juste, un film intellectuel ? Les thèmes de la mémoire, des chimères et des hantises dans Solaris, de la création, du statut de l’artiste et du mysticisme dans Andrei Roublev, de la foi et du surnaturel dans Stalker et de l’onirisme et des souvenirs dans Le Miroir ne sont pas particulièrement intellectuels, mais relèvent plutôt du domaine de l’irrationnel et de l’instinct. Les films de Tarkovski m’ont toujours donné l’impression d'être situé à l’opposé du rationnel et d’être plutôt à l’image d’un rêve : vaporeux, évanescents, en demi-teinte.

Est-ce que l’intellectualisme du cinéma de Tarkovski se manifesterait plutôt au niveau de la signature de l’auteur, du traitement, de la forme de l’œuvre ?

Le qualificatif pourrait s’appliquer au cinéma d’Eisenstein, dans la mesure où les films de ce dernier servent principalement à illustrer sa théorie du montage et constituent, d’une certaine manière, un manifeste esthétique, donc avec des idées, des concepts, des préceptes. Mais Tarkovski emprunte une démarche complètement différente selon moi. Son approche esthétique n’incarne aucune doctrine cinématographique et n’ont aucune finalité autre que de traduire en image les thèmes qu’il aborde.

Encore aujourd’hui, la remarque me rend perplexe. Je cherche une définition du genre, mais le terme cinéma intellectuel n’est pas recensé dans les ouvrages que j’ai consultés. Mis à part le formaliste soviétique, quel cinéma pourrait être qualifié d’intellectuel ?

Sondage-éclair: deuxième question

jeanmichellavergne@yahoo.ca (jeanmichellavergne@yahoo.ca) — Tue, 22 Jan 2008 21:14:00 +0000

Après avoir boudé pendant quelques semaines parce que personne ne voulait me donner raison à propos de mon billet précédent, je tente une deuxième question sur le thème des road-movies.

Vendredi dernier, la télé présentait un chef d'oeuvre de Bergman, Les Fraises sauvages. Je me suis posé la question et vous la pose par ricochet:

Les Fraises sauvages: est-ce un film qui peut être considéré comme un road-movie ?